Elettronica e musica
Robert Moog con il theremin
“Come è noto, il legame tra musica e matematica si allunga nel tempo e sono molti i momenti di stimolo reciproco che hanno caratterizzato l'evoluzione di queste due discipline. Nella seconda metà del XX secolo tale legame si è arricchito di nuovi contenuti grazie ad un vivace interesse per il pensiero scientifico da parte del mondo dell'arte e allo sviluppo in campo musicale della musica elettronica e della musica informatica. Già all'inizio degli anni '50 il giovane compositore Karlheinz Stockhausen progetta e realizza una composizione musicale elettronica tutta basata sul numero 6 estendendo la tecnica compositiva seriale alla composizione del suono. Negli stessi anni un altro compositore Iannis Xenakis si interessa alla composizione di eventi sonori complessi caratterizzati dalla presenza simultanea di un elevato numero di particelle sonore microscopiche e ben presto si accorge che il controllo di questi micro suoni poteva essere realizzato solo su base statistica dando origine così alla musica stocastica. Qualche anno più tardi, con la diffusione dei primi computer, diventa possibile dar corpo musicale alla teoria del campionamento di Shannon, ovvero alla possibilità di rappresentare il suono e quindi la musica come una sequenza di numeri. Nascono così le tecniche di sintesi digitale del suono tramite le quali molti compositori si sono spinti a progettare anche i suoni della propria composizione in un processo unico e integrato. La ricerca comunque non si è limitata alla sola direzione del controllo matematico del microcosmo sonoro, ma è stata sempre affiancata dallo studio dei processi compositivi a più alto livello che sconfinano nel settore della cosiddetta musica artificiale.
Nel corso dell'intervento verranno illustrate le principali tappe di questo percorso di ricerca musicale avvalendosi di esemplificazioni visive e sonore.
Alvise Vidolin, Conservatorio "B. Marcello", Venezia
Electronic music
From Wikipedia, the free encyclopediaL'elettronica ha rivoluzionato completamente la produzione musicale, dai microfoni e altoparlanti agli amplificatori, apparecchiature di registrazione, trasmettitori e ricevitori e lo sviluppo di strumenti elettronici
Uno dei primi strumenti elettronici è stato il Theremin, inventato dal russo Leon Theremin nel 1917, che traduce il movimento della mano in suoni, difficile da padroneggiare ma capace di un'espressione musicale sottile. Attirò l'attenzione dei compositori, in particolare durante il Anni '50 nei film di fantascienza per le sue atmosfere ultraterrene. Si può provarlo in una simulazione on line, trascinando il cursore o usando le dita per giocherellare con le forme d'onda e sperimentare ritardo, feedback e scuzz.
L'Ondes Martenot, inventato nel 1928 da Maurice Martenot, era uno strumento a tastiera che sfruttava l'invenzione di Theremin.
Il sintetizzatore Moog apparve nel 1964, delle dimensioni di una stanza, inventato da Robert Moog, che poi per superato il limite dovuto alle dimensioni ha lanciato il Minimoog nel 1970. Poiché era capace di una varietà di suoni molto più ricca rispetto agli organi elettronici dell'epoca, divenne un grande successo commerciale e artistico. Il "sintetizzatore", termine entrato in uso, si compone di uno o più oscillatori che creano il segnale di base modificato da una varietà di controlli.
Tra i compositori che hanno cercato di utilizzare l'elettronica ci sono Karlheinz Stockhausen e John Cage; spesso il loro approccio consisteva nel trovare nuovi usi per componenti comuni di apparecchiature elettroniche come microfoni, altoparlanti e registratori. L'Ondes Martenot è arrivato particolarmente vicino all'accettazione come strumento per la sala da concerto, adottato da compositori come Olivier Messiaen e Pierre Boulez . Sempre più spesso, tuttavia, gli strumenti elettronici vengono utilizzati per creare musica registrata piuttosto che dal vivo.
I compositori di film inizialmente cercarono di utilizzare strumenti elettronici per i loro effetti sonori insoliti, che avrebbero aiutato a enfatizzare le esperienze ultraterrene. Il Theremin era uno strumento preferito in questo senso.
- Miklos Rozsa ha usato un Theremin nella sua musica per la sequenza del sogno (disegnata dall'artista surrealista Salvadore Dalì) nel film di Alfred Hitchcock "Spellbound" nel 1945
- Dimitri Tiomkin ne ha usato uno nella versione originale di "The Thing" nel 1951
- Bernard Herrmann ha usato due Theremin nella sua colonna sonora di The Day the Earth Stood Still nel 1951
- La colonna sonora del film "Forbidden Planet" nel 1956 consisteva in effetti elettronici veramente fuori dal mondo creati da Louis e Bebe Barron(una squadra di marito e moglie) utilizzando circuiti personalizzati
- Herrmann ha anche utilizzato una versione migliorata di uno strumento chiamato Trautonium per creare gli inquietanti effetti sonori per il thriller di Hitchcock "The Birds" nel 1963.
- In televisione, Delia Derbyshire ha manipolato i suoni registrati per mettere insieme i suoni per realizzare il motivo musicale di Ron Grainer per "Doctor Who" nel 1963
Strumenti e suoni elettronici sono stati cercati anche da artisti popolari creativi.
- Brian Wilson di "The Beach Boys" usò il suono unico del Theremin nel singolo "Good Vibrations"
- I Beatles hanno usato un Mellotron nel loro "Strawberry Fields Forever" e un sintetizzatore Moog nel brano "Why" nel loro album di Abbey Road
- I Pink Floyd hanno usato gli onnipresenti sintetizzatori Moog
- Keith Emerson di "Emerson, Lake and Palmer" usò il sintetizzatore nel singolo "Lucky Man"
- Gary Numan utilizzava spesso suoni di sintetizzatore, come in "Cars"
Walter/Wendy Carlos è stata tra i pionieri che hanno mostrato di cosa erano capaci i sintetizzatori Moog: nel 1969 produsse l'album "Switched On Bach" mostrando il potenziale espressivo di questi strumenti con la musica di Bach. Le sue discussioni con Robert Moog sullo strumento e la sua usabilità hanno plasmato lo sviluppo di versioni successive della sua gamma di sintetizzatori. Carlos West ha creato versioni elettroniche della musica di Beethoven nel film "Arancia meccanica" per Stanley Kubrick nel 1971. Seguendo la sua guida il compositore giapponese Isao Tomitaha anche utilizzato sintetizzatori Moog e altre apparecchiature elettroniche per creare superbe realizzazioni di famose opere classiche in una serie di album a partire dagli anni '70, tra cui "Snowflakes are Dancing" (1974) basato sulla musica per pianoforte di Claude Debussy e "The Planets" (1977) basato su "The Planet Suite" di Gustav Holst
Piuttosto che rivisitare la musica classica esistente, altri artisti hanno creato la propria musica originale esclusivamente per strumenti elettronici.
- Mike Oldfield ha creato il suo "Tubular Bells" (1973) la cui title track è stata utilizzata nel film "The Exorcist".
- Jean Michel Jarre ha pubblicato numerosi album tra cui "Oxygene" nel 1976 ed "Equinoxe" nel 1978.
- Vangelis si è specializzato anche nella creazione di musica elettronica e ha pubblicato diversi album negli anni '70 e ha composto colonne sonore elettroniche per i film "Chariots of Fire "(1981) e" BladeRunner "(1982).
- Kraftwerk e Tangerine Dream hanno portato la musica elettronica in direzioni nuove e diverse
- Rick Wakeman occasionalmente degli Yes , Brian Eno inizialmente dei Roxy Music , ed Enya inizialmente dei Clannad hanno anche fatto molto affidamento sui suoni elettronici
La musica elettronica analogica, dell'epoca delle registrazioni su nastro magnetico o vinile, èsuperata da quella digitale. Invece di creare suoni direttamente utilizzando circuiti elettronici, il valore di ogni "campione" di un suono può essere calcolato rapidamente utilizzando la potenza di un computer desktop. Questo passaggio dall'hardware al software ha dato alla musica elettronicalibertà ancora maggiore e ha ulteriormente ridotto i costi di produzione e ha consentito a molti più artisti di partecipare alla rivoluzione. La musica elettronica è diventata mainstream ora ed è apparentemente integrata con le registrazioni acustiche su film e televisione. Attraverso l'uso crescente e la manipolazione di "campioni" digitali, molti strumenti software possono emulare strumenti orchestrali con crescente realismo e in effetti molti dei sintetizzatori pionieristici di Moog e altri ingegneri sono stati ora ricreati digitalmente nel software.
La musica popolare sfrutta gli strumenti elettronici da molti anni ormai e molti stili dipendono fortemente dagli strumenti elettronici. La musica dance moderna si è suddivisa in una sorprendente varietà di generi (inclusi "Techno", "House" e "Trance" a volte chiamati collettivamente Electronica) e molte tracce di questi stili sono costruite nel software utilizzando strumenti virtuali, con elaborazione elettronica degli effetti. Ogni fase, dalla registrazione al missaggio e al mastering, viene eseguita nel dominio digitale. Anche la linea vocale può essere pesantemente elaborata elettronicamente prima che la traccia sia finalizzata. A volte questo potrebbe essere semplicemente per migliorare la voce rimuovendo eventuali piccole imperfezioni, ma altre volte la voce può essere alterata per creare un effetto come con un "vocoder". Questo tipo di effetto è stato utilizzato anche da Wendy Carlos per le parti corali della nona sinfonia di Beethoven in "Arancia meccanica".